"Las banderas se convirtieron de nuevo en un límite que define legitimidad"
Con la exposición "Creamos líneas entremedio", esta artista que hoy divide su trabajo creativo entre Chile e Inglaterra, invita a los espectadores de Temuco a reflexionar sobre los límites, la luz y la oscuridad que propone este mismo concepto, en un mundo cada vez más polarizado y cruzado por el fenómeno migratorio. Su trabajo se puede visitar de lunes a viernes en la Galería de la Arte de la UCT.
Exalumna del Colegio La Salle, Camila Lobos Díaz regresa a la capital de La Araucanía para habitar la ciudad ahora como artista visual. Su exposición, denominada "Creamos líneas entremedio", fue inaugurada esta semana en la Galería de Arte de la UC Temuco, un trabajo conceptual que aborda ideas como las banderas, la pertenencia y los límites, de los cuales conversa en esta entrevista.
- Camila, ¿cómo llegas las artes visuales como tu vehículo de expresión y profesión?
- Mi primer acercamiento a las artes fue a través de la danza. Primero con Nivia González y después con Jaime Jory. Mi abuela me acercó mucho a los museos también, pero en mis primeros años no tuve una predilección. Estudié en cursos científicos y en un matemático. Y cuando tuve que elegir una carrera opté por arquitectura, pero al principio quería ingeniería civil en biotecnología porque también me gustaba mucho la ciencia, de hecho, fui parte del programa Explora. De alguna forma, siempre tuve un interés multidisciplinario y mis padres no me limitaron, siempre me permitieron tomar actividades que ampliaran el conocimiento. Y bueno, estando en arquitectura en la Universidad de Chile tomé la decisión de cambiarme de carrera.
- Esto es interesante de compartir. ¿Qué pasó mientras estudiabas arquitectura que llevó a cambiar el rumbo de tu formación?
- Estudié arquitectura por dos años. Los primeros semestres la carrera me gustó. No sé si pasa en todas las escuelas, pero en la Chile es muy conceptual, se trataba mucho de entender el espacio y me encantaba entender la espacialidad, no solo físicamente, sino en los contextos, porque todos los espacios funcionan distinto según los habitamos las personas. El cómo nos situamos en los espacios, de alguna manera, fue importante para mi formación como artista. Luego de ese segundo año, me cambié a la escuela de arte a la Pontificia Universidad Católica. Di la prueba de nuevo, hice todo de nuevo.
- ¿Fue muy polémica esa decisión?
- Fue una negociación familiar. La verdad es que lo que quería era cambiarme a teatro. Yo ya lo estudiaba en paralelo, pero no pude terminar las pruebas y en la PUC me dijeron: toma otra carrera y te cambias desde adentro. La negociación familiar fue: te cambias de carrera, pero tienes que congelar. Yo creo que ellos pensaban que podía arrepentirme y volver.
- ¿Por qué te quedaste en artes visuales?
- No sé, tuve escultura, me encontré con buenos profesores y de repente me di cuenta que las cosas que me gustaban de la arquitectura encajaban; que el arte podía ser un camino para desarrollar ese conocimiento.
- ¿Cómo ha sido tu camino en el arte? No en vano hoy tienes una carrera que se mueve entre Chile y Europa…
- Yo diría que el camino del arte nunca es amable, siempre es un poco hostil. En este sentido, tuve la suerte de que mis papás pudieron pagarme la universidad, salí sin deudas y eso te pone una situación de ventaja. Pero los primeros años yo trabajaba en lo que fuera de medio tiempo para pagar las cuentas.
- Previo a esta conversación confesaste que la pintura no era lo tuyo, que esta fue una tortura en tu proceso formativo. Considerando esto, ¿qué materialidad o medio de expresión funcionó para ti para desarrollar tu creatividad?
- Volviendo un poco a mi historia interdisciplinaria, como que el ancla de mi trabajo ha sido el espacio, lo conceptual, la escultura entendida desde la instalación, de cómo se habitan los espacios, no tanto desde una técnica o de un material. En general, pasa que si alguien revisa mi trabajo hay pocos materiales que permanecen cuando paso de un proyecto a otro; al final, si yo me afirmara a una materialidad sería el concepto el que aúna todo mi trabajo y eso va tomando diferentes facetas, a veces, esculturas con cemento, otras veces hilos. En estos 10 años desde que salí de la universidad siempre encontré muy mágico el límite como concepto, pero una vez escuché que las obras tienen un coeficiente de artisticidad; eso me gustó, entenderlo como que al final una obra es una cosa que se activa cuando otra persona la está mirando (…). Al final de la carrera empecé a crear obras que existían solo si alguien las estaba mirando. El límite se volvió en un elemento persistente en mi trabajo.
- Tu biografía de artista menciona que poco a poco has ahondado en los conceptos del viaje, frontera, marginación y, en general, en una reflexión sobre los procesos migratorios. ¿En qué situaciones reparas hoy?
- Lo que pasa es que fui entendiendo que había un límite entre las personas, pero que no era tan claro. Después, vi como que en las grandes ciudades existían estas circunvalaciones que definen el centro y las periferias. Y de a poco fui viendo que la periferia se transformaba en un espacio oscuro, porque lo que está al centro recibe luz. Que a todas las cosas que nos interesan les ponemos luz. Con ese simbolismo llegué a obras que se veían solo en la oscuridad y que remitían a contextos sociales que estaban fuera de nuestro rango de visión. Cuando me fui a una residencia artística en Austria trabajé en torno al tema migratorio. Estando allí me invitaron a hacer una obra permanente para un hotel muy especial, que en 2016 recibía refugiados, los ayudaba a tramitar documentación, los contrataba y los capacitaba (…).
- Y ¿la muestra que acabas de montar en Temuco es continuidad de lo anterior?
- Sí, porque la línea del límite me ha acompañado siempre. Cuando me fui a vivir a Inglaterra fue cuando se estaba implementando el Brexit y había regresado un sentimiento nacionalista. Entonces comenzaron a aparecer las banderas originales de Inglaterra, con la cruz de San Jorge, en las fachadas de las casas. Como migrante empecé a estar más atenta y a sentirme afectada. Cuando volví a Chile me di cuenta que un uso similar se le estaba dando a nuestra bandera. Las banderas se convirtieron de nuevo en un límite que define legitimidad. Y allí me preguntaba cómo nos va a definir algo que nosotros no decidimos, porque nacer en un lugar no es decisión nuestra. En la instalación de Temuco hay dos obras que conviven. Los elementos expuestos son una serie de globos con banderas de diversos países que vienen de otro montaje realizado en un espacio abierto, donde estuvieron expuestas al aire libre y vienen atravesadas por esa experiencia. Estas están combinadas con una piscina de tierra que fuerza el recorrido de la sala (…).
- Camila, hace más de 10 años que ya no habitas Temuco, ¿qué impresión te ha dado la ciudad hoy?
- Veo más grande a Temuco. Ha cambiado físicamente, hay muchos más edificios, creció el número de automóviles, pero al mismo tiempo logro encontrar la misma esencia que recuerdo. Sí noto que se percibe más la segregación, pero ese también es un fenómeno país. La situación contextual es complicada, si a nivel país estamos polarizados acá se siente más. Y no sé si será un poco ingenuo, pero ahí está la esperanza del arte y la cultura, de poder generar instancias de conversación en que podamos discutir y abrir perspectivas.
"Al final de la carrera empecé a crear obras que existían solo si alguien las estaba mirando. El límite se volvió en un elemento persistente en mi trabajo".